KW 7, 2026: Die luserlounge selektiert

Quelle: pixabay.com / Pikura

(Ms) Für das Gute sind wir selbst verantwortlich. Irgendwie logisch, aber man muss es halt auch machen. Sich auf die anderen zu verlassen, ist etwas zu bequem. Außerdem fühlt es sich gut an. Das ist die passende Geschichte dazu: Musste die Woche zum Arzt. Da telefonierte im Wartezimmer eine Frau mit einem Taxiunternehmen. Denn ein Fahrer blockierte wohl recht ungeniert mehrere Autos und er blieb wohl auch stehen, trotz freundlicher Bitte. Genau das hat die Dame in einem wirklich freundlichen, konstruktiven Ton der Zentrale gemeldet und dafür von anderen aus dem Wartezimmer Anerkennung bekommen. So soll es doch sein, oder? Wenig später habe ich mitbekommen, wie eine Arzthelferin ganz lieb und aufbauend mit einer älteren Dame gesprochen hat, der es anscheinend wirklich nicht gut ging. Das habe ich der Mitarbeiterin später gesagt: Wie toll das ist, wie sie mit der Seniorin sprach. So müssen wir doch zusammen stehen, oder? Anerkennend, freundlich, aufmerksam, unterstützend. Das verdichtet doch die seelische Teflonschicht gegenüber den großen Krisen und Diskussionen.

Christin Nichols

(Ms) Apropos das Gute im Menschen! Und ein komischer Verhörer. Punkt Nummer 1: Standhaft bleiben ist sicher eine der größten Herausforderungen unserer Zeit. Denn gepöbelt wird schnell, direkt und viel. Mitunter auch anonym im Netz. Das macht es leider so leicht. Dabei sind Frauen, insbesondere wenn sie sich Normen entziehen, besonders betroffen. Denen und allen anderen Frauen stärkt Christin Nichols mit ihrer neuen Single Spotlight den Rücken. „Es gibt keine Gefahr für mich / Weil Mut größer an Angst ist“ - yeah. Große, wichtige Worte. Eingehüllt sind sie in ein rock-pop-punkiges Soundgewand, das mächtig stark nach vorne prescht. Das macht schnell viel Spaß und erhöht die Vorfreude auf das neue, nach ihr benannte Album, das am 24. April bei PIAS erscheinen wird. Punkt 2: Sie singt davon, dass sie alles haben will und dazu ein Biermixgetränk. Das hört sich doch stark nach BMX-Getränk an, oder?! Isotonische Drinks sind ja eh im Trend…

22.04.2026 München - Milla
23.04.2026 Stuttgart - Werkstatthaus
24.04.2026 Mainz - Schon Schön
01.05.2026 Husum - Speicher
02.05.2026 Münster - Gleis 22
06.05.2026 Leipzig - Neues Schauspiel
07.05.2026 Berlin - Lido
04.06.2026 Hannover – Faust
05.06.2026 Köln – Jaki
06.06.2026 Hamburg - Molotow

Sophia Kennedy

(Ms) Verregnet ist es im Norden. Seit Tagen hat die Sonne sich nicht blicken lassen. Die Aussichten: trüb. Ein Wort wie Frühling scheint noch sehr weit weg zu sein. Daher lohnt der gedankliche Ausflug in den Sommer, ein paar Erinnerungen aufploppen lassen. Zum Beispiel zum großartigen Watt En Schlick Fest. Auch das war vollkommen verregnet und nass und bäh. Aber es gab so viele gute Momente. Am eindrücklichsten war der Auftritt von Sophia Kennedy, die auf der Paletten-Bühne performte und das mit so viel Wucht und Energie und Drang, dass sie schnell diesen Strandabschnitt einnehmen konnte. Eine enorme Künstlerin, deren Musik sowohl sehr tanzbar ist als auch immer ein wenig zwickt. Nun hat sie das erste Mal zwei deutschsprachige Songs selbst veröffentlicht. Musik Ist Kein Krieg ist ein 20-er-Jahre-Chanson über die abwegigen Tendenzen der Musikbranche: Klicks, Berechnungen, Gewinne. Wo ist der Zauber geblieben?! Eben! Schenke Mir Ein ist ein Dudel-Radio-Feelgood-Schlager aus einer vergangenen Zeit. Es geht durchaus um das entspannte, gut gelaunte Versacken in einer Kneipe, doch nicht ohne den Hinweis, dass der nächste Tag wehtun könnte. Es hat den Eindruck, als ob diese Musikerin mit jedem Lied ihr eigenes Œuvre bis ins Unerschöpfliche erweitert. Was für enorme Kunst. Schaut sie euch an:

17.02.26 Kiel – Hansa 48
18.02.26 Hannover – Pavillon
19.02.26 Bremen – Schlachthof Magazinkeller
20.02.26 Münster – Gleis 22
08.04.26 Aachen – Musikbunker
09.04.26 Heidelberg – Karlstorbahnhof
10.04.26 Basel – Kaserne
12.04.26 Bern – bee-flat
23.04.26 Jena – Trafo
25.04.26 Essen – Zeche Carl

Vlimmer

(Ms) „Das ist nicht was du willst / Du weißt nicht, was du brauchst.“ Ein Taumeln. Damit lässt sich die neue Single von Vlimmer sicher ganz gut beschreiben. Aufbeißer heißt sie und ist seit kurzem zu hören. Da der Text - wie so oft bei der Musik von Alex Donat - nicht so gut zu verstehen ist, lohnt sich das Taumeln auch in der Musik zu suchen. Das Finden ist leicht, denn es liegt auf dem Silbertablett. Insbesondere der Versetzte-Drum-Computer-Beat fühlt sich an wie ein Stolpern. Hinzu kommen die Synthies, die irgendwie nie so genau wissen, ob sie aufbauen oder einreißen. Das erzeugt zusammen einen wuchtigen Höreindruck, auch wenn er dieses Mal nicht so brachial ist wie bei einigen Songs zuvor. Clever! Als Topping liefert Vlimmer eine deutschsprachige Dark-Wave-Synthie-Version von Young Folks von Peter, Bjorn & John. Noch Verrückter: Er fertigt dazu sogar CDs mit eigenem Cover an. Was für ein genialer Typ!

Ain‘t Ur Enn

(Ms) Musik ist ja oft wie eine Serie. Am Ende eines Albums - oder einer Staffel - bleibt ja manchmal die Frage: Wie wird es wohl weiter gehen? In welche Richtung setzen die MusikerInnen ihre nächsten Schritte? Cliffhänger an allen Ecken und Enden. Ennio De Caro, der sein musikalisches Alter Ego Ain‘t Ur Enn nennt, hat erst im Mai letzten Jahres sein erstes Album veröffentlicht. Bald folgt schon eine neue EP und Don‘t Tell My Bullet ist die erste Single, die es daraus zu hören gibt. Und der Schritt ist groß. Allein, dass der Track gut dreieinhalb Minuten lang ist, ist eine große Neuerung - die Platte hatte gerade mal eine Spielzeit von unter 19 Minuten! Doch auch das verspielte Schlagzeug, die tanzenden Klaviertöne und der etwas klarere Gesang sind deutlich vernehmbare Schritte. Schritte, seine Musik noch runder zu machen, noch zugänglicher. Noch besser?! Das entscheidet ihr. Dieser Song ist auf jeden Fall super!

Fjørt

(Ms) Über diese Band steht in diesem Blog schon so viel, dass ich aus dem Kopf den Shortcut für das ø finde. Fjørt: Musik gewordene Wucht. Brachial. Brutal. Heftig. Groß. Kompromisslos. Aggressiv mitunter. Und in all der Energie ungemein wohltuend. Nun ist mit Yin die dritte und letzte Single aus ihrem neuen Belle Époque erschienen. Die Platte reicht das Aachener Trio kommende Woche hinterher. Wir dürfen sie schon hören und eines ist klar: BÄM! Das wird schon sehr, sehr krass. Und dunkel. Und hoffnungslos. Gut, dass so ein Track wie Yin darauf enthalten ist, der ein wenig die Wogen glättet. Und einer, auf dem Chris Hell recht melodisch singt. „Bis das Material versagt.“

Na, zum Glück nicht. Insbesondere bei dieser Gruppe. Da wird gar nichts versagen. Ja, sie werden mit der neuen Platte alles einreißen, was möglich ist. Das hier ist der Track zum Durchatmen.

11.03. München, Technikum
12.03. Jena, Kassablanca
13.03. Wien, WuK
14.03. Leipzig, Werk 2
18.03. Berlin, Festsaal Kreuzberg
19.03. Wiesbaden, Schlachthof
20.03. Dortmund, FZW
21.03. Hamburg, Gruenspan (ausverkauft)
25.03. Bremen, Schlachthof
26.03. Hannover, Capitol
27.03. Stuttgart, Im Wizemann
28.03. Köln, E-Werk
24.04. Hagen, Stockrock

Maiija - What If

Foto: Michael Poetschko

(Ms) Wenn auf den großen und kleinen Bühnen der Politik und Gesellschaft die Verbindlichkeiten, Übereinstimmungen und Verlässlichkeiten immer weniger werden. Wenn recht kräftig gespalten statt vereint wird. Wenn Vertrauen zu einem raren Gut wird. Wenn der große, zusammenhängende Halt eventuell auch bröckelt. Ja - was bleibt denn dann?! Insbesondere in der Kunst? Klar, privat lässt sich dennoch einiges stemmen. Doch das Schöne, Kunstvolle, Musische. Wie kann es in diesen Zeiten einen Beitrag leisten?

Einen großen - einen sehr großen sogar. Davon bin ich fest überzeugt. Das klar ganz viel mit Katharsis zu tun. Einen Begriff, der aus der Philosophie und dem Theater entspringt und dennoch einen ganz einfachen Effekt mit sich bringt. Was was die Kunst durchlebt - der Film, das Theaterstück, die Oper, das Konzert, das Album - das muss ich selbst nicht mehr durchleiden. Ich kann daran Anteil nehmen, ohne mich der Tiefe des Ganzen stellen zu müssen. Eine Art Stellvertretung. Darin macht sich auch die große Kraft der Melancholie bemerkbar. Warum hören wir denn so gern die traurigen Lieder? Sie nehmen mir meine eigene Trauer ab.

Diesen melancholischen Katharsis-Moment gibt es auf 37 Minuten mit dem neuen Album von Maiija. Dahinter verbirgt sich die Wiener Musikerin Marilies Jagsch, die seit Langem Musk macht und nun unter diesem Künstlerinnennamen ihr zweites Album veröffentlicht. Es erscheint am 13. Februar und heißt What If. Es ist sehr persönlich, es geht um Krankheit, um Leid. Die Künstlerin leidet an Endometriose und verpackt ihre Geschichte in Musik. Großartig. So können andere Menschen daran Teil haben, fühlen sich verstanden und aufgebaut. Ist das nicht ein phantastisches Geschenk, das die Kunst uns macht?! Ja, oder? Klar, zu einem Hohen Preis der Künstlerin selbst - das sollte man nicht vergessen.

Es ist Pop-Musik. Die Grundlage bietet ganz klar ein Arrangement aus Gesang, Gitarre, Bass und Schlagzeug. Doch da steckt noch sehr viel mehr. Bläser und Streicher bringen Glanz und Tiefe. Zudem ist Marilies Jagschs Stimme anzuhören, dass es ihr wichtig ist, diese Lieder zu singen. Da ist Aufrichtigkeit und Ehrlichkeit drin. Im Timbre, in der Stimmlage, in der Intensität.

Was machen dann diese großartigen Stücke wie Recover oder Feel mit uns Hörenden? Es lohnt sich auf jeden Fall diese Stücke recht laut zu drehen. Dann kommen die Schwingungen noch direkter an - sie müssen durch den Körper gehen, um ihre Wirkung zu entfachen. Natürlich entsteht da ein unterschwelliger Schmerz. Aber es ist kein Körperlicher. Es ist eher eine Verbindung mit Psyche und Musik. Über diesen Schmerz wird durch Melodien und Harmonie direkt ein Pflaster gelegt. So entsteht zwar ein zuckender Moment, aber er verheilt auch direkt wieder. Das ist das Wunderbare an der Katharsis. Ja, sie tut für einen Moment weh. Aber es tut halt auch sehr gut. Ein Heilungsprozess ist zu spüren. Nein, diese Stücke ziehen nicht runter. Sie bauen sogar eher auf - auch wenn das schwer vorstellbar ist. Ist aber so - das Nichterklärbare der Kunst schlägt hier gnadenlos und in all seiner Schönheit zu. Wow!

18.02. - Wien, Radiokulturhaus

04.03. - München, Milla (mit Naked Lunch!)

05.03. - Stuttgart, Merlin (mit Naked Lunch!)

13.03. - Linz, Stadtwerkstatt

20.03. - Steyr, Röda (mit Sodl)

10.04. - Ried, KiK

16.04. - Krems, Kino im Kesselhaus

27.06. - Villach, Kulturhof

Live in Hamburg: Naked Lunch

Foto: luserlounge 

(Ms) Über einen aus mindestens drei sehr guten Gründen bemerkenswerten Abend. Er startet an dem Ort des Geschehens. Ich freue mich immer sehr, wenn Konzerte an Orten stattfinden, die ich noch nicht besucht habe. Wo geht es rein? Wo ist die Bar? Wie ist alles dekoriert? Welches Bier wird ausgeschenkt? Wie ist die Akustik? Kann man von überall gut sehen? Solche Dinge halt. Wenn dann ein Konzert auf einem Schiff stattfindet, ist das nochmal eine ganz neue Ebene. Die MS Stubnitz liegt am allerletzten Zipfel der Hamburger Hafen City, einem sterilen, toten Ort. Das Schiff ist diente in der DDR zur Kühlung beim Fischfang und ist seit gut dreißig Jahren Kulturveranstaltungsort. Wie viel dieser Ort schon gesehen und erlebt hat. Das Innere ist heimelig illuminiert. Ja, das Licht spielt eine wesentliche Rolle, die einen Liveauftritt nochmal pushen kann. So geschehen gestern Abend als Naked Lunch und Die Anteile spielten.

Ein Tapete-Abend sozusagen. Das Berliner Duo Die Anteile heizte pünktlich um 20.30 Uhr ein. Nur waren leider recht wenig Leute zugegen, die zuhörten. Sehr schade, denn die mit E-Gitarre gespickte Elektromusik hatte viel Drive und der Bass kitzelte immer wieder das Innere des Schiffes. Leider war der Gesang nicht so klar eingestellt. Er wäre das i-Tüpfelchen eines starken Auftritts einer Band, die sicher noch oft zu sehen sein wird. So ein Schiff ist mit seinem industriellen Charme genau der richtige Ort für elektronische Klänge. Der hintere Raum der Bühne wurde währenddessen immer wieder toll beleuchtet. Entweder leuchteten die Scheinwerfer so nach vorn, dass nichts zu sehen oder allerhand Rohre und maritimes Gerät zu entdecken waren. Ich gebe zu - ich steh drauf!

Was danach passierte, kam aus einer anderen Welt. Naked Lunch läuft seit gut zwanzig Jahre bei mir. Durch die sehr bewegte Bandgeschichte hatte ich nie die Möglichkeit, sie live zu sehen. Insbesondere in den letzten zwölf stillen Jahren. Dass diese Band überhaupt noch spielt, davon ist ihr Frontmann Oliver Welter wohl am meisten überrascht. Was hat er nicht alles durchgemacht. Ja, das Musikleben hat ihn gezeichnet, es ist ihm anzusehen. Doch auch die ganze Leidenschaft, die Schönheit der Musik von Naked Lunch, die Größe, die Zerbrechlichkeit, das Warme und Krasse. Es spiegelt sich alles in seinem Gesicht. Zudem gesellt er eine überragende Band um sich herum, die den Abend so stark inszeniert haben, dass er noch lange nachhallen wird.

Mit God anzufangen, ist frech, frech, frech. Und heftig. Dieses übermächtige Stück, das so viele Pole innehält. Lange habe ich drauf hingefiebert, dieses Lied mal live zu sehen. Ja, die Monitorbox funktionierte zu Beginn noch nicht. Aber egal. Mit Inbrunst und Kraft haben Oliver Welter und seine MitmusikerInnen dieses Monster dargeboten. Aufgeregt war er. Ja. Ihm zitterte der Kiefer bei den ersten Ansagen. Das legte sich im Laufe des Abends. Ich habe drüber nachgedacht, ob seine Ansagen eine gewisse Theatralik mit sich bringen inklusive österreichischer Dramatik. Aber nein. Dieser Musiker ist voller Dankbarkeit, das machen zu dürfen. Er erlebt so einen Abend als wahnsinniges Geschenk, als Privileg. Und so gab es wirklich ein besonders starkes Best Of dieser außergewöhnlichen Band zu hören, zu erleben. Denn die ganz leisen, zarten Stücke wie Town Full Of Dogs standen neben den wahnsinnigen Brechern wie If This Is The Last Song You Can Hear. Ein Noise-Erlebnis mit irre gewordenem Saxophon ist das geworden. Ja, die Band hat einige Stücke so modifiziert, dass sie noch mehr Kraft entwickeln. Dazu die ganzen großen Lieder wie King George, The Sun oder Military Of The Heart. Oh man, wie oft kann sich der Puls eigentlich noch erhöhen?! Es ist lange her, dass ich so viel gestaunt habe bei einem Konzert. Die Energie an der Gitarre, die Passion gegenüber der Musik und der große Dank am Leben zu sein. Darunter ging es an einem Naked Lunch-Abend nicht. Und das ist auch gut so.

Leider musste ich aus Bahngründen etwas früher los. Aber dieser Abend wird noch lange nachhallen. Zum Einen wegen der wunderschönen, höchst außergewöhnlichen Location, zum anderen wegen einer musikalischen Darbietung, die die ganze Palette menschlicher Emotionen höchst aufrichtig in sich trägt. Möge Naked Lunch noch ewig Musik machen. Und mögen bitte mehr Leute zu ihren Konzerten kommen!

KW 6, 2026: Die luserlounge selektiert

Quelle: pixabay.com / Pikura

Je weniger Auswahl wir haben, desto besser geht es dem Gemüt. Beispiel.

Was genau unsere Gesellschaft mal so richtig den Garaus macht, ist noch unklar. Dass der stets anwesende Kapitalismus da mitmischt, ist aber klar. Dabei ist Knappheit richtig geil. Je weniger in den Regalen liegt, desto einfacher fällt die Entscheidung. Je kürzer die Öffnungszeiten, desto klarer, wann ich einkaufen gehen kann. Das immer zu können ist doch eh völliger Wahnsinn. Vergangenes Wochenende war ich zum Kopfausschalten an der Nordsee. Sonst natürlich krasses Touristengebiet, zu dieser Jahreszeit ist aber gar nichts los. Oder noch weniger als das. Zwei Supermärkte haben geöffnet, mit Mittagspause! Das war es so einigermaßen. Und auch dort gibt es bei weitem nicht all das, was ich aus der Heimat gewohnt bin. Umso besser. Klar, man muss ein wenig umdisponieren und Alternativen finden, aber das sollte ja eigentlich kein Problem sein. Das tat sehr gut. Nach 17.30 Uhr gab es keine Möglichkeit mehr zum Einkaufen. Ja, wieso denn auch?! Eben. Noch besser wäre das im Internet. Öffnungszeiten im Netz! Und tadaaa - es gibt ein kleines Unternehmen, das genau das macht. Schwerelosigkite heißt es, macht tolle Klamotten und bietet demnächst nur noch klar begrenzte Einkaufsmöglichkeiten an. Genial. Hallo EU - wie wäre es?! Zalando, Amazon, Otto - alle haben nur noch von 8 bis 18 Uhr geöffnet. Danach und davor kann man halt nicht online shoppen. Es wäre großartig! Das lässt sich doch bestimmt regulieren. Ich würde sofort unterschreiben!

Kapelle Petra
(sb) Seit Curly Sue verfolge ich Kapelle Petra mehr oder weniger aufmerksam und regelmäßig. Zugegebenermaßen kommt an das Kind aus Gelsenkirchen nichts ran, aber das ist nun wahrlich keine Schande, weil (verhinderter) Welthit. Mit Lübbe veröffentlicht die Band aus Hamm nun ihr Jubiläums-Best-of-Album und das beinhaltet schon sehr viel Schönes. Mich erinnert Kapelle Petra ja immer ein bisschen an Virginia Jetzt mit einer ordentlichen Prise Rock und Zynismus, was definitiv als Aufwertung zu verstehen ist. Lange Rede, kurzer Sinn: Wer sich bisher mit den Herren vom Rande des Ruhrgebiets nichts auseinandergesetzt hat, der sollte das schleunigst tun und bekommt nun das perfekte Gimmick dazu an die Hand. Um die Zuneigung dann direkt zu vertiefen, ist ein Konzertbeuch empfehlenswert.

Live:

12.03.2026 - Muffathalle, München
13.03.2026 - Batschkapp, Frankfurt
14.03.2026 - Im Wizemann (Halle), Stuttgart
26.03.2026 - Carlswerk Victoria, Köln
27.03.2026 - Skaters Palace, Münster
28.03.2026 - Columbia Theater, Berlin
25.07.2026 - kAPEll30 SOMMA, Hamm
27.11.2026 - Täubchenthal, Leipzig
28.11.2026 - Botschaft, Osnabrück
04.12.2026 - Z-Bau, Nürnberg
05.12.2026 - Schlachthof, Wiesbaden
11.12.2026 - Gruenspan, Hamburg
19.12.2026 - Westfalenhalle 2, Dortmund

puls.

(Ms) Was ist denn jetzt richtig geil? Analog oder digital? Elektronisch oder handgemacht? Wie dogmatisch sollte man da unterwegs sein? Oder gibt es nicht schon eine gute Lösung dafür? Ich denke schon: Best of both worlds! Beeindruckend gut setzt das die Band puls. aus Köln um. An diesem Freitag veröffentlichen sie ihre erste EP namens Nuancen. Fünf Tracks gibt es darauf zu hören, die sich wirklich das beste aus verschiedenen Spielarten zusammenmixen und es unheimlich gut vereinen. Der analoge Bass auf Zeit ist phantastisch und bis zu seinem Auftauchen auch echt nicht zu erahnen. Die Shoegaze-Gitarren auf Trümmerblick, die den Song in allerhöchste Höhen tragen. Die Texte, die großartig anzunehmen sind und viele Möglichkeiten bieten, um sich selbst darin zu sehen. Das sind - meiner bescheidenen Meinung nach - einige gute Gründe für eine Band, eine große Zukunft erleben zu dürfen. Diese EP ist ein grandioser Start.

Sprints

(Ms) Hach, was gibt es nicht herrliche Ausführungen über Coverversionen. Welcher Track am meisten nachgespielt wurde. Was floppte oder gar das Original überstrahlt. Ja, das Cover ist eine schöne künstlerische Eigenart. Es geht ja nicht nur um das einfache Nachspielen. Im besten Fall gibt man einem Track das, was man darin vermisst. Ein Kniefall und eine Ehrung ist es eh in jedem Fall. Heutiges Beispiel: Deceptacon von Le Tigre. Das Stück ist 27 Jahre alt - und noch nicht gestorben. Denn die Band Sprints haben sich den Track vorgenommen und ihm ordentlich Wumms beigebracht. Meine Güte, was knallt dieser Bass denn geil?! Kaum auszuhalten. Zudem macht diese Version wirklich gar keine Pausen. Die Gitarren knartschen nach vorne, der Gesang treibt genauso wie das Schlagzeug. Wer hier ungerührt sitzen bleibt, ist ein Banause. Das ist Fakt. Was für ein irrer Track - was für eine starke Version!

Lambert

(Ms) Korrigiert mich gerne - aber ist nicht eines der schönsten Dinge in diesem Musik-Kosmos die wunderbare Neugier, wie ein frischer Track eines tollen Künstlers klingen mag?! Die Gedanken im Vorhinein. Wie sieht der nächste Entwicklungsschritt aus? Gibt es einen? Hat es nicht vorher gut geklappt - wozu die Veränderung? Gibt es andere Instrumente, die in den Sound einfließen? Hach, großartig! Und Lambert ist einer dieser Künstler, die den Überraschungsmoment definitiv auf seiner Seite hat! Obendrein ist er enorm umtriebig. Im Winter kam erst die gemeinsame Platte mit Thorsten Nagelschmidt raus, im Sommer 2024 gab es die letzte Platte Actually Good. Und nun geht es weiter! Spirit heißt die erste Single aus dem kommenden Album I Am Not Lambert, die am 8. Mai bei Clouds Hill erscheinen wird. Wie passend dieser Titel nur ist. Denn auf dem neuen Stück gibt es zahlreiche Parts, die an andere Künstler erinnern. Klar, das Klavier bleibt im Fokus, aber die Akustikgitarre (!) klingt doch etwas nach Ásgeir, der Gesang (!) nach Orbit genauso wie die sanft eingesetzten Beats. Eingebettet ist das natürlich in einem entspannt-beruhigenden Lambert-Klang, wie man ihn gewohnt hat. Und ich vermute: Auf dem neuen Album lauern noch mehr tolle Überraschungen!

13.05.26 Hamburg, Kampnagel – Lambert & Friends
15.05.26 Nürnberg, Z-Bau
17.05.26 Berlin, Kammermusiksaal – Lambert & Friends
19.05.26 München, Live Evil
04.07.26 Kraggenburg, Wilde Weide Festival

Tiga & Boys Noize

(Ms) Ab meiner Jugend ist Musik für mich wirklich Thema Nummer 1. Unterschiedliche Szenen und Genres hatten ihre Zeit. Sie sind gekommen und gegangen. Und dennoch ist es krass, wie viele Bands und Künstler mir wirklich gar nichts sagen. Auch richtig große Namen. Zu Radiohead kann ich nichts sagen. Ebenso zu The XX oder Muse. Nie gehört, kein Bezug. Viele Größen aus anderen Genres sind mir da noch ferner. Heutiges Beispiel: Tiga und Boys Noizse. Beide sagten mir bis zu diesen Zeilen hier nichts. Nada. Niente. Dabei haben sie vor Kurzem mit Hot Wife einen wirklich extrem geil tanzbaren Track veröffentlicht. Dieser Beat, der ab der ersten Sekunde einsetzt und duchballert, ist so markant und auf freche Weise stumpf, dass er direkt in die Beine geht. Ebenso der Text. Wirklich sehr überschaubar. Aber egal. Vielleicht ist es auch diese großartige Reduktion, die diesen Song so enorm machen. Tiga veröffentlicht am 17. April sein neues Album Hotlife - der Frühsommerhit?! Gut möglich! 

Alin Coen

(Ms) Wer diese Musikerin mal live gesehen hat, weiß, was da Bemerkenswertes auf der Bühne passiert. Viele Lieder von Alin Coen sind so nahegehend, da bleiben keine Augen trocken. Einige Stücke sind auch tieftraurig. Und dennoch sitzt oder steht da eine Künstlerin, die so viel Güte in ihrem Wesen trägt, dass sie mit ihrer Ausstrahlung unmissverständlich zeigt: Seid ruhig traurig und lasst euch berühren, aber hier in diesem Moment ist wirklich alles behütet und geschützt. Große Kunst!

Atme Ein, Atme Aus heißt ihr neues Lied, mit dem sie sich nun wieder meldet. Die Hämmer des Klaviers sind direkt zu hören, mit dem ersten Takt ist man als Hörer ganz nah an ihrer Musik. Und sie am eigenen Gemüt. Ein Lied wie Meditation. Ein Lied, das die Livestimmung perfekt wiedergibt. Hier ist gerade wirklich alles in Ordnung, du musst nichts tun, hier erwartet keiner etwas von dir, hier kommt alles kurz zum Erliegen. Es sind drei Minuten und elf Sekunden, die das Herz vielleicht ein klein wenig schneller schlagen lassen, aber den Kopf ruhiger machen. Große, große Kunst! Am 29. Mai erscheint ihr neues Album Du Bedeutest Mir Die Welt, mit dem sie auf große Tour geht.

30. Mai 2026 Hamburg, Nachtasyl – ausverkauft
2. Juni 2026 Berlin, Mikropol – ausverkauft
15. Juli 2026 Dresden, Saloppe
16. Juli 2026 Leipzig, Parkbühne
17. Juli 2026 Braunichswalde, Hof 19
18. Juli 2026 Regensburg, Alte Mälzerei
19. Juli 2026 Lindau, Zeughaus
22. Juli 2026 Freiburg, ZMF
23. Juli 2026 Heidelberg, Karlstorbahnhof
24. Juli 2026 Frankfurt, Batschkapp Sommergarten
26. Juli 2026 Dortmund, Junkyard
11. September 2026 Schwerin, Schlosshof
10. Oktober 2026 Bielefeld, Festival Dome
17. Oktober 2026 Hamburg, Fabrik
18. Oktober 2026 Oldenburg, Kulturetage
20. Oktober 2026 München, Hansa 39
22. Oktober 2026 Köln, Kulturkirche
23. Oktober 2026 Erfurt, hsd
24. Oktober 2026 Magdeburg, Johanniskirche

JJerome87

(Ms) Danke, lieber Algorithmus. Ohne dich wäre ich wahrscheinlich nicht auf diesen Track gestoßen. Ja, vor dem letzten Album The Dream habe ich schon alt-j aus den Ohren verloren. Weder bewusst noch gewollt. Hat sich einfach so ergeben. Zu viel andere Musik - keine Ahnung. Doch der Algorithmus spülte mir Brush Me Like A Horse von Frontman Joe Newman auf die Kopfhörer, der sich als Solomusiker JJerome87 nennt, sich aber stilistisch von der Hauptband nicht unterscheidet. Diese frickeligen Arrangements, diese ganzen verspielten Elemente - es ist einfach großartig, was er da zusammenzimmert. Macht sehr viel Spaß, überzeugt mit sehr viel Groove und erzeugt auf angenehme Weise gute Laune:

A.S. Fanning - Take Me Back To Nowhere

Foto: Neil Hoare

(Ms) Diese knapp vierzig Minuten sind ein Manifest purer Schönheit! Jawohl! Es mag inhaltlich wirklich nicht den Anschein haben, dass diese Platte auch nur irgendwie aufbauend wäre. Ist sie nicht. Sie ist ein Zeugnis dieser kuriosen Welt. Einer Welt, deren Untergang wir live am Smartphone mitverfolgen können. Man könnte auch was tun, aber wir gucken lieber zu. Niedergang im Minutentakt, egal wo, bei weitem nicht nur überm Teich. Also steht man da, Anfang 2026 und jeglicher Wunsch, dass es ein wenig bergauf gehen könnte, allein so stimmungsmäßig, ist passé. Fast.

Denn das, was der irische Musiker A.S. Fanning auf seinem neuen Werk Take Me Back To Nowhere macht, ist düster und gleichzeitig unglaublich faszinierend. Dafür gibt es viele gute Gründe. Der erste und markanteste ist seine einnehmende Stimme. Ein Bariton wie aus dem Himmel - wunderschön, eindringlich, kräftig. Im Dezember hatte ich die Hoffnung, dass Tom Smith seine großartige Stimme so wirkmächtig auf seinem Soloalbum einsetzt. Den Eindruck hatte ich nicht. Wenn jemand auf tiefe, dunkle Stimmen steht: Hier ist die richtige Adresse! Hinzu kommt ein neuer Ansatz des Songwritings. Und der ist hörbar. Eigentlich sitzt der Ire mit seiner Gitarre zusammen und bastelt seine Stücke zurecht. Doch er hatte sich die Hand gebrochen. Also nahm er sich ein paar elektronische Tonerzeuger zur Hilfe - und das ist hörbar auf der Platte. Synthieflächen machen Lieder groß, tief, dunkler - ja, sogar teils tanzbar!

Die allgemeine Hoffnungslosigkeit macht sich direkt im ersten Track stark bemerkbar! Save Us ist wenig verheißungsvoll, denn es heißt: „No one is coming save us / not sience and no god who made us.“ Große Keyboardflächen untermalen diese Düsternis, der Drumcomputer schlägt den passenden Takt dazu. Doch im letzten Drittel passiert doch was. Da ist mehr Dur als Moll, da funkeln doch ein paar Sonnenstrahlen durch den pechschwarzen Himmel. Ja, es sieht nicht gut aus, aber auf diesem Album sind viele (musikalische) Abers zu hören - sie machen den Glanz aus!

Im Anschluss schon der absolute Höhepunkt! Today Is For Forgetting schreit ja schon nach Kopf-in-den-Sand-stecken. Aber! Dieses Lied ist so phantastisch arrangiert, dass es kaum auszuhalten ist. Zum Einen tanzen viele Synthie-Töne durch den Track, der Bass schwingt behände durch die Zeilen, A.S. Fannings unglaubliche Stimme gibt einem den Rest. Trotz des hoffnungslosen Textes ist da eine Kraft in seiner Stimme, die doch nur aufrichten kann, oder?! Ja, der Text hat etwas romanhaftes, Fantasy, Sci-Fi, Peng! Aber (!) es ist leicht, sich hier mitreißen zu lassen. Geben wir uns dem hin!

Und woher die Hoffnung und Zuversicht nehmen?! Klar, aus der Liebe - woher denn auch sonst?! Now I‘m In Love heißt der passende Track dazu und es ist nur logisch, dass der Musiker singt, dass das wunderschöne Lächeln des Gegenübers alles ausblendet, was daneben den Bach runter geht. So einfach, so wunderschön ist es. Wichtig, dass dieses Stück Teil des Albums ist! Die Liebe kann auch so stark sein, dass die Angst vor dem endgültigen Ende, dem Tod, schwindet. Ist das nicht wunderschön?! Ja, klar! Stay Alive singt genau davon und ein sanftes, kleines Glockenspiel bringt auch hier wieder den Hoffnungsschimmer in all das Stockfinstere. 

Take Me Back To Nowhere sagt ja schon im Titel, worum es geht: eine Welt hinter jeder Begründung zu erlangen, zu einer Nicht-Existenz. Das mag zwar nicht allzu vielversprechend sein, aber doch besser als das, was uns die Flimmerkiste in unserer Hosentasche jeden Tag präsentiert, oder?! Eben. Zudem ist dieses Album einfach gespickt mit purer klanglicher Ästhetik. Die Lieder sind sanft, ummantelnd und bestechen durch außerordentliche Tiefe. Es geht also nicht bergab. Die Hoffnung ist nicht passé. Solange diese Musik läuft. In all ihrer Schönheit.

16.03. Langenberg – KGB
28.03. Altenkirchen – KulturSalon Stadthalle
21.04. Hamburg – Knust
23.04. Dresden – Ostpol
25.04. Oberhausen – Gdanska
26.04. Offenbach – Hafen 2
29.04. Wien – Rhiz
30.04. Salzburg – Rockhouse
02.05. Berlin – Neue Zukunft

The Hirsch Effekt - Der Brauch

Foto: Freakshot

(Ms) „Musik und Leben sind zwei Paar Schuhe / Dass ich nicht lache / Lass mich in Ruhe.“

Was einst Marcus Wiebusch für Kettcar gedichtet hat, würden viele KünstlerInnen sicher sofort unterschreiben. Dazu gehört auch Nils Wittrock, Texter und Gitarrist der Band The Hirsch Effekt. Seit 16 Jahren existiert diese Gruppe, die alles kann und alles macht. Das war immer schon verrückt und ist es immer noch. Und vor allem extrem beeindruckend! Wie viel jedoch dahinter steckt, solch eine Band mit Leben zu füllen, einen Sinn darin zu sehen, Musiker zu sein, welche Zweifel und Nebenschauplätze drumherum existieren, wird uns Hörenden meistens kaum bewusst. Bis die Band darüber spricht. Oder schreibt. Oder singt. All das ist von diesem wuchtigen Trio zu vernehmen. Nils Wittrock hat ein Buch darüber geschrieben. Wie es ist, als Musiker Covid zu durchstehen, ein Kind groß zu ziehen und diese Band am Leben zu halten (ich habe es nicht gelesen, halte es aber für sehr empfehlenswert, weil darin wohl ein ganz tiefer Einblick ins Künstlerdasein steckt). Damit einher ging ein Schreibprozess der Lieder für das neue Album Der Brauch, das diesen Freitag (30. Januar) erscheint. 

Neun neue Tracks sind auf den knapp 50 Minuten zu hören, zu erleben, zu genießen. Selbstredend macht die Hannoveraner Band in etwa da weiter, wo sie musikalisch aufgehört hat. Die harten Gitarren bilden das Epizentrum ihres Klangs. Doch alle musikalische Richtungen, die für das Trio interessant sind, werden auch bespielt. Wieder sehr persönlich ist diese Platte geworden (siehe oben). Klar, dass das Titelstück zu Beginn eine ganz klare, private Handschrift trägt: Der Zwist, in dem Nils Wittrock als Musiker, Vater, Bürger während Covid steckt, wird mehr als deutlich. Dass so eine Band auch immer eine freiwillige - aber durchaus schicksalsträchtige - Sache ist, die einen hier und dort hin manövriert wird immer wieder in aller Wucht klar. Und wie wird das denn alles nur zusammen gehalten? Anscheinend mit einem sehr dünnen Seil. Der Faden heißt der passende Track dazu, in dem Rhythmus, Energie der Gitarre, das Rollen des Basses und auch ganz sanfte Passagen genauso wie derbes Schreien im Hintergrund direkt aufeinander folgen oder gleichzeitig passieren. Wen das nicht packt, ist und bleibt ein Banause. Punkt.

Ja, das klangliche Element ist das, was auch auf diesem The Hirsch Effekt-Album am prägnantesten ist. Das Seil dauert siebeneinhalb Minuten! Dabei sind dort musikalische Sektionen enthalten, die locker für eine ganz eigene Platte reichen würden. Irre, was diese Band da zusammenschraubt! Da stellt sich unweigerlich die Frage, ob das nicht auch ein wenig anstrengend ist, dem zuzuhören. Ja, klar, auf jeden Fall. Leicht ist das nicht, weil es so wenig eingängig ist. Aber auch gar nicht sein will. Viele Sequenzen sind erschütternd wie Erdbeben. Das passt ja so ungeheuer gut zur Grundthematik, dass wahrscheinlich dieser vielseitige Klang der einzige ist, der zur Band und zu den Liedern passt. Selbst ein zweiminütiges Akusik-Zwischenstück fügt sich nahtlos in den Klang dieses Werkes. 

Der ganze Zwiespalt des Musikers, Familienmitgliedes, Menschen Nils Wittrock wird auf Der Doppelgänger so richtig herausgearbeitet. Ein Zwiegespräch mit dem Spiegelbild wird hier verhandelt, wobei das Original das Selbst gegenüber so gar nicht erkennen kann. Erkennen will. Die Kluft ist mitunter groß und dass der da sich genauso bewegt wie ich, das scheint ein unlösbares Rätsel zu sein. Wahrscheinlich ist es auch das Stück, was sich am krassesten entwickelt. Lange arbeitet die Band hier mit wirklich schönen Harmonien und Melodien. Doch 6 Minuten und 42 Sekunden bieten viel Zeit zum Experimentieren. Nach viereinhalb Minuten wird hier ein Metal-Riff aufgezogen, dass einen schon mal aus den Latschen bugsieren kann. Hammerhart - supergeil! Insbesondere die massive Wucht zum Ende hin ist ein leuchtendes Beispiel, wie Musik funktionieren kann. In all seiner Härte, in all seiner Schönheit! 

Klar, auch Die Lüge ist musikalisch herausragend. Textlich bin ich in Die Brücke sehr angetan von den verschiedenen Bedeutungen von „überfluten / über Fluten“, was einfach toll geschrieben ist.

Dieses Album ist an allen Ecken und Enden beeindruckend. In der Länge einiger Stücke, in der Vielseitigkeit der Musik, in der Tiefe der Texte. Es empfiehlt sich, dafür ein bisschen Zeit einzuplanen. Es wäre eine Schande, wenn diese Lieder nur nebenbei laufen. Dafür ist dieses Werk zu krass. 

Gut, und wer bei Das Nachsehen nicht erschüttert, dem ist wirklich nicht mehr zu helfen. Krank. Geil.

Was nun anfangen mit diesem Album? Begeisterung? Verstörung gewissermaßen? Wahn, Sog, Energie? Ich bin extrem gespannt, wie die Band das live rüberbringt und werde vom Bremen-Gig berichten. Doch das allerwichtigste ist, dass nicht nur Nils Wittrock, sondern auch Bassist Ilja Lappin und Drummer Moritz Schmidt immer ausgewogen zwischen Privatem und der Band ausgerichtet sind. Dass sie die richtigen Prioritäten setzen und für ihre Liebsten mit genau der richtigen Kraft da sein können. 

25.02. Schweinfurt - Kulturhaus Stattbahnhof
26.02. Aarau - KIFF
27.02. Karlsruhe - Jubez
28.02. Ulm - Roxy
05.03. Berlin - Badehaus
06.03. Hamburg - Logo
07.03. Düsseldorf - Ratinger Hof
12.03. Wiesbaden - Schlachthof
13.03. Kassel - Goldgrube
14.03. Erfurt - Museumskeller
19.03. Bremen - Tower
20.03. Oberhausen - Druckluft
21.03. Leipzig - Naumanns
21.05. Saarbrücken - Garage
22.05. Münster - Sputnikhalle
23.05. Köln - Helios 37

Live in Oldenburg: Dota

Foto: luserlounge

(Ms) Wie begegnen wir am besten dieser Welt? Resignation? Widerstand? Rückzug? Aktivismus? Hoffnung? Jede Aktion hätte sicherlich einige berechtigte Gründe auf seiner Seite. Doch die letzten Beiden sind doch irgendwie die besten, oder? Es ist schwer, in diesen Zeiten optimistisch zu bleiben, aber bei oder nach einem Abend mit Dota ist das ganz leicht. Denn Dota Kehr lässt sich nicht zurückdrängen. Da ist keine Schneckenhaustendenz zu erkennen. Ja, Hoffnung mag die schönste Form des Leichtsinns sein. Aber tut es nicht auch gut, manchmal ein wenig leichtsinnig zu sein, ein bisschen naiv, ein bisschen berosasonnenbrillt? Sonst sitzt man ja nur rum, ist zwar wahnsinnig gut informiert, aber damit fängt man leider auch allzu oft nichts an. Also lieber fliegen, leicht sein, unverhohlen an das Gute im Menschen glauben. So wie Dota mit und in ihren Liedern.

Am Freitag war sie zu Gast in der Oldenburger Kulturetage. Ausverkauft war es wohl, das heißt gut 900 Menschen waren da und ließen sich fröhlich in den Bann ziehen. Den Abend hat Karl Die Große im Duo eröffnet. Und wie! Es war nicht nur das großartige Spiel an Posaune und reduzierter Percussion von Antonia Hausmann, das sehr beeindruckend war, sondern auch die Stimme der Sängerin. „Bau nicht auf mich / Ich bin ein wackliges Gerüst“ waren ihre ersten Worte, die sie geloopt hat. Und trotz der großen Zerbrechlichkeit war da wahnsinnig viel Sympathie und Aufrichtigkeit auf der Bühne! Ein irres, kurzweiliges Set haben die beiden gespielt. Wortgewandt und klug, unterhaltsam und schön. Die beiden Musikerinnen haben anschließend Dotas Band um Posaune, Percussion, Saxophon, Bassklarinette, Chor und Animation erweitert.

Insbesondere letzteres war ein durchaus neues, belebendes, aber auch irgendwie schräges Element des Abends. Die Tanzeinlagen bei Bademeister oder Rennrad oderoder waren… ja, was denn nun?! Nett? Ja, klar. Aber irgendwie passten sie nicht so ganz zu einem Dota-Abend. Es war gefühlt ein kleines bisschen zu viel. Und damit ist der einzige kleine Kritikpunkt des Abends auch schon abgehakt. Denn die zwei Stunden, die Dota mit Band - und auch ein paar mal solo - gespielt hat, waren abwechslungsreich, sehr lustig, gefühlvoll, toll getextet und sehr überraschend! Ja, wer hätte denn gedacht, dass Dota mal Wir Sind Helden covern würde?! Ja, eben! Oder dass sie gegen Eichhörnchen pöbelt!? Ja, eben!

Dotas Kritik an der Welt ist mit hellwachem Kopf gedichtet. Die leichtsinnige Hoffnung ist natürlich kalkuliert. Ja, was soll man denn auch tun?! Logisch, man kommt zusammen, ist füreinander da, sieht das Gute im Menschen und hat so mindestens einen großartigen Abend mit vielen anderen, die dabei kaum aufhören können zu strahlen. Denn Dota strahlt. Voller Freude. Und voller Zuversicht. So ist ein Konzert dieser Künstlerin nicht nur musikalisch und textlich ein phantastisches Erlebnis, sondern es richtet auch auf in Zeiten, die ganz doll wackeln. Ob es dann um Springbrunnen, Kettenkarussell oder Das Wogende Meer ist ist fast egal. Dotas Musik ist äußert vielseitig. Das macht sie so schön und den Abend so kurz. Da bleibt am Ende fast nichts übrig, als Danke zu sagen. Also: Danke!

Dota ist sehr viel unterwegs: Hier gibt es alle Tourdaten.